Bem mais sensível do que o seu conterrâneo ganhador do Oscar de melhor filme estrangeiro, ‘Aruitemo Aruitemo’ (Still Walking) mostra a reunião de uma típica família japonesa do interior. O reencontro acontece no aniversário de morte do filho mais velho, Junpei, que morreu na tentativa de salvar um garoto de afogamento. O protagonista é o filho mais novo, Ryoto, aos 40, cansado de ser negligenciado pelos pais, que mesmo muitos anos depois da tragédia ainda supervalorizam o falecido primogênito, único da prole a seguir a profissão de médico do pai.

As diferenças, os costumes, os desconfortos, os valores e as relações são retratados com imensa delicadeza pelo diretor Hirokazu Kore-eda, mostrando aqui o cotidiano e o banquete de desapontamentos que definem o filme de forma poética, sem excessos ou maneirismos. Os planos são simples, mas bem enquadrados. E assim como em ‘Era Uma Vez em Tóquio’ de Ozu, ‘emulado’ aqui, aliás, não somente nesse quesito, apenas um deles se move. A mise-en-scène cuidadosa faz da casa tradicional, da cidade e até mesmo da culinária, personagens secundários que ajudam a contar a história. É um filme bonito do início ao fim. Só poderia acabar um pouquinho mais cedo. Alguns minutos a menos cortariam falas desnecessárias e deixariam o desfecho mais enxuto.

- Seus pais dizem que você está sempre mentindo.
- Não, eu minto de vez em quando, eu acho.
Se eu disser a verdade eles ainda assim não acreditariam, então prefiro mentir.

Dentro de uma revolução narrativa, marcando a criação de um ‘gênero’, um personagem inesquecível do cinema francês: Antoine Doinel em ‘Os Incompreendidos’.

Primeiro longa de Truffaut, primeiro filme da nouvelle vague junto com ‘Acossado’ (Godard). Excelente. Parei pra pensar no quanto os diretores da atualidade tem que ralar para serem originais nos dias de hoje, já que filmes como este, feitos no final da década de 1950, ainda permanecem novos. A mensagem continua fresca e a técnica pouco retocável.

Para novembro deste ano (nos EUA), a primeira animação do mais visionário entre os diretores do cinema ‘indepentende’ americano, Wes Anderson. Aqui um first look no stop motion baseado num livro de Roald Dahl: ‘The Fantastic Mr. Fox‘.

Uma das coisas mais legais do Wes Anderson é essa turma que sempre o acompanha: Bill Murray, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Own Wilson, Willem Dafoe, Adrian Brody… estão todos lá na lista de dubladores. A surpresa foi ver os nomes do Roman Coppola (co-roteirista junto com Anderson em ‘Viagem a Darjeeling’) e do Jarvis Cocker (vocalista do Pulp) com seus respectivos personagens na lista de elenco. Mas a cereja do sorvete, the cream of the crop, dessa vez é ninguém menos do que Meryl Streep, fazendo par com George Cloney, dublando Mrs. Fox. Perguntada sobre o porquê de ter aceito o convite para fazer parte da animação, a atriz, espertamente – como sempre -, respondeu: “Quando novamente eu poderei ser a Sra. George Clooney?”.

Sobre o projeto, Jason Schwartzman classificou ‘The Fantastic Mr. Fox’ dentro da filmografia do diretor como “the ultimate” (o definitivo). Falando sobre Anderson, Schwartzman afirmou que ao invés de adaptar o seu estilo de direção para a animação, Wes trouxe a animação até ele e fez um filme autoral. Para quem já viu outros longas do diretor, não é difícil de perceber pela mise-en-scène vista nas imagens que o ator deve estar certo. O cuidado com os detalhes já aponta para um típico Wes Anderson. Cadê a logomarca utilizando Futura mais uma vez?

Mais imagens: USA Today

E já que estamos na Ásia, posto aqui um breve comentário sobre ‘A Partida’, ganhador do Oscar de melhor filme estrangeiro deste ano.

Gerada uma certa expectativa à partir das reações pós-Oscar, onde encontrei diversos comentários positivos de surpresa com relação a sua vitória, assisti ‘A Partida’ esperando algo um pouco diferente do que costuma ser graciado pela Academia na categoria conquistada pelo filme. No entanto, o que assisti foi a mais um típico longa estrangeiro vencedor de Oscar. Não que o filme seja ruim. O plot é interessante e o roteiro se sustenta até o fim, mesmo com suas bases melodramáticas. O tom cômico entra bem em algumas cenas e o drama também funciona em outras. Então, o que realmente me incomodou? Culpo, até o momento, a direção folhetinesca de Yojiro Takita, que conduz o filme de uma forma óbvia, segura demais. A sensação no final foi de que o longa, apesar de simpático, seria facilmente esquecido por mim, mas que poderia ter funcionado com baixa expectativa. Paradoxal?

Há pouco mais de um mês desde que o Cineclube Natal, em parceria com a Aliança Francesa, fez uma escolha acertadíssima ao optar por exibir no auditório da escola de idiomas o filme ‘Plataforma’, do diretor chinês Jia Zhang-Ke. Digo que a escolha foi certeira porque uma semana antes, um dos cinemas da cidade havia exibido em sua sessão de arte o documentário ‘Inútil’, do mesmo diretor. Natal, então, foi prestigiada com a exibição de dois filmes de difícil acesso, realizados por um dos diretores da 6ª geração chinesa mais elogiados e aclamados mundialmente.

Jia Zhang-Ke ganhou o Leão de Ouro no Festival de Veneza em 2006 com o ótimo ‘Em Busca da Vida’ e desde então tem emplacado pelo menos um filme por ano em algum dos festivais de cinema mais importantes (Cannes, Veneza), seja em competição, mostras paralelas ou simplesmente em exibições especiais. Em 2007 veio ao Brasil para uma retrospectiva de sua carreira na 31ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. No início deste ano, o jornal O Globo o definiu sabiamente como “um cronista dos efeitos da globalização (em especial, a ânsia pelo enriquecimento) sobre sua pátria.”.

Não é novidade nem a primeira vez que declaro aqui meu fascínio pelo cinama asiático, chinês de preferência. Nos filmes de Jia Zhang-Ke encontro uma realidade quase crua de um país gigante e em muitos aspectos, obviamente, desconhecido por mim. Assistir à qualquer um de seus filmes, por mais lentos e longos que possam ser, é desvendar mais e mais sobre a China. É como acrescentar verbetes enciclopédicos sobre o país em minha mente ou avançar para um terreno, até então impenetrável, de um game de aventura. Um prazer que não compartilho com muitos amigos cinéfilos e, aparentemente, com os cidadãos natalenses também não.

Inicialmente a sessão de ‘Inútil’ me surpreendeu com a quantidade de pessoas presentes na sala – metade cheia, exercendo o otimistmo – entretanto, aos poucos uns e outros deixaram o local no meio do filme, desta vez não para o meu espanto. ‘Inútil’ é um filme um tanto difícil para ser visto sem que se saiba previamente o que vai ser mostrado e/ou como. Trata-se de um documentário sobre os diferentes setores da indústria têxtil chinesa e como funciona a moda no país. Um bom filme, mas com algumas falhas de conexão entre os atos que o deixaram um pouco solto, com um miolo interessante, focado na personalidade e na vida da estilista Ma Ke – ao meu ver, objeto interessante o suficiente para sustentar todo o documentário -, mas um pouco enfadonho no início e principalmente no fim, quando o diretor aborda novamente a precariedade da atividade mineradora chinesa, considerada a segunda profissão mais perigosa do mundo. Um tema quase fetiche para o autor.

Acompanhado de dois amigos que, apesar das falhas, apreciaram o filme tanto quanto eu, saí satisfeito da sessão e contente por ter tido a oportunidade de assistí-lo no cinema. Porém, não tão contente com a possibilidade de assistir ‘Plataforma’ na semana seguinte, já que o longa não foi lançado oficialmente no Brasil e não há nos confins do mundo virtual uma cópia sequer. Sei bem porque eu já vinha buscando o filme há anos. Os longas exibidos nas sessões conjuntas do CCN com a Aliança Francesa são disponibilizados pelo Ministério das Relações Exteriores da França em arquivos para download protegidos. Ou seja, uma oportunidade única. Porém, prestigiada por poucos. Se não me falha a memória, menos de 10 pessoas, contando com o diretor da Aliança e membros do CCN, presenciaram a exibição de ‘Plataforma’. Para mim, um susto. Não sei o que há com os cinéfilos dessa cidade.

‘Plataforma’ mostra, em suas quase 2 horas e 40 minutos de duração, um grupo de jovens que fazem parte de uma companhia artística financiada pelo partido comunista durante a década de 1980. O filme retrata muito bem a repressão ditatorial, a decadência do sistema governamental chinês naquela época e, consequentemente, a decadência do grupo, que disseminava as idéias do partido em suas perfomances e sofre, passando inclusive por privatizações, quando o país passa ceder à estratégias capitalistas.

Em meio a todas as mudanças sociais e culturais que envolvem esse processo de abertura econômica, como pano de fundo – não tão fundo assim – está lá o paupérrimo e remoto interior da China. A provincia onde vivem os personagens principais é, inclusive, a mesma onde o diretor nasceu. Jia Zhang-Ke filma Fenyang (汾阳市) com ares de fim do mundo. Como se, geograficamente, não houvesse mais nada além daquela cidade onde se cavam e tapam os mesmos buracos, nada muda e o tempo parece não passar. Semelhante ao que, ao menos culturalmente, parece acontecer com Natal. Saúdo, assim,  instituções como o CCN (recém-reconhecido como entidade de utilidade pública municipal e estadual) que tentam mudar esse painel.

A Videofilmes, produtora de Walter Salles, em parceria com a Mostra, planeja lançar em DVD uma coleção com todas os filmes de ficção dirigidos por Jia Zhang-Ke, à exceção de ‘Em Busca da Vida’, lançado no Brasil pela Califórnia Filmes. Espero que issso aconteça logo e que os DVD’s cheguem a Natal, para que aqui percebam a importância desse diretor chinês e para que, enfim, possa compartilhar o prazer de ver e discutir seus filmes com as pessoas ao meu redor.

Outro dia minha irmã lembrou de mim enquanto lia um livro de crônicas da Martha Medeiros, colunista d’O Globo, chamado ‘Coisas da Vida’ (2003). Cinéfila e fã confessa de Woody Allen, Martha já dedicou várias de suas crônicas ao autor e suas obras. Nessa específica, ao filme ‘Igual a Tudo na Vida’, considerado um dos mais fracos da carreira do diretor, mas, ainda assim, apreciado pela autora e também por mim.

Mesmo tendo ciência de que certos filmes realmente não são lá grandes coisas, às vezes me deixo levar por outros fatores, além do que me foi mostrado na tela, e acabo guardando um bom sentimento com relação a algumas obras. No caso de ‘Igual a Tudo na Vida’, escolhido na locadora por ser o único do Woody em comum, não visto por quatro amigos, me deixei levar pela alegria de assistir à um filme divertido com pessoas queridas e em sintonia, rindo na mesma intensidade das mesmas piadas e se deixando afetar pelas mesmas citações life changing típicas do autor e presentes até nos longas menos importantes de sua vasta filmografia.

Ainda devo aqui no blog algo mais completo e de minha autoria sobre Woody Allen, mas, por enquanto, os deixo com a tal crônica – bastante sensível e particularmente tocante – sobre ‘Igual a Tudo na Vida’, que me fez pensar na mistura de fatores que se combinam na mente de cada um para que, afinal, se possa apreciar um filme.

Dar-se Alta

Nada como não ter grandes esperanças para também não ter grandes frustrações. Todos diziam que o novo filme do Woody Allen era fraco e repetitivo, mas sempre acreditei que um fraco Woody Allen ainda é melhor do que muita coisa considerada boa por aí. Então lá fui eu para o cinema conferir ‘Igual a Tudo na Vida’ e, não sei se devido à baixa expectativa ou se ao meu entusiasmo incondicional pelo cineasta, saí mais do que satisfeita: não considerei o filme fraco coisa nenhuma.

Fraco achei o ator protagonista. Inexpressivo. Quase comprometedor. Fora isso, foi uma delícia ver Woody Allen jogar a toalha, reconhecer que a busca pelo sentido da vida é uma tarefa cansativa e infrutífera e que todo mundo vive as mesmas angústias, do intelectual ao motorista de táxi. Extra, extra! Woody Allen se deu alta!

É verdade que ‘Igual a Tudo na Vida’ remete a situações já mostradas em seus outros filmes, mas era este mesmo o propósito. Woody Allen faz o papel de um escritor veterano que dá dicas para um escritor amador, que não passa dele mesmo, anos antes. Não foi preciso escalar para o papel alguém com semelhanças físicas e os mesmos trejeitos: a angústia existencial do jovem Falk basta para identificá-lo como um Woody Allen Junior em busca de libertação. E o que é libertação? Fala o veterano: “Quando alguém lhe der um conselho, você diga que é uma excelente idéia, mas depois faça apenas o que quiser”. Tem lógica. Quem é que pode saber o que se passa dentro de nós? Não compensa preservar relações por causa de culpa, ficar imobilizado, temer conseqüências. Vá lá e faça o que tem que ser feito. Sozinho. Porque é sozinho que estamos todos, afinal.

Ou seja, nada que Woody Allen já não venha há anos discutindo em sua obra, mas agora tudo me pareceu mais leve e menos intelectualizado, até o restaurante que Allen costuma usar como locação mudou, sai o abafado Elaine’s, entra o arejado Isabella’s.

É claro que os filmes da fase neura eram mais ricos, é claro que uma vida de questionamentos tem mais consistência do que uma vida resignada, e é claro que o Elaine’s tem alma e o Isabella’s não. Mas a passagem dos anos e a proximidade da morte reduz bastante este orgulho que temos em ser profundos e diferenciados.

Todos as criaturas do mundo estão no mesmo barco procurando amor, sexo, reconhecimento, segurança, justiça e liberdade. Algumas coisas iremos conquistar e outras não, e pouco adianta deitar falação porque seremos para sempre assim: sonhadores, atrapalhados e contraditórios. Jamais teremos domínio sobre os acontecimentos. A sutil diferença é que, se em seus filmes anteriores Woody Allen parecia dizer “não há cura”, agora ele parece dizer “não há doença”.

Eis a compreensão da natureza humana, acrescentada por uma visão bem-humorada e madura do que nos foi tocado viver. Leva-se tempo para aprender a não dramatizar demais as situações.

Dar-se alta é reconhecer, com alívio, que o que parecia doença era apenas uma ansiedade natural diante do desconhecido. Só quando a gente percebe que o desconhecido permanecerá para sempre desconhecido é que a gente relaxa.

Martha Medeiros

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Aqui o recém-lançado trailer de ‘Bright Star’, próximo longa de Jane Campion (O Piano), parte da lista dos filmes em competição da seleção oficial do Festival de Cannes desse ano.

Já vinham me chamando atenção as fotografias de divulgação do filme, mas o trailer me deixou boquiaberto com tantas imagens bonitas. Se o todo é ‘brilhante’ como o trailer só saberemos mais tarde. Porém, alguns críticos em Cannes afirmaram que sim, que ‘Bright Star’ is bright indeed:

“A film which I think could be the best of her career; an affecting and deeply considered study of the last years in the short life of John Keats.”

Peter Bradshaw, Guardian

No aguardo.

Então… percebi recentemente que desde que inicei este blog não dediquei um post sequer à animação, que é uma das minhas paixões. Senti que estava negligenciando um “gênero” que estimo e, para corrigir o lapso, decidi fazer um top com os meus cinco filmes preferidos dirigidos por Hayao Miyazaki, respeitado diretor japonês, co-fundador de um dos estúdios de animação mais incríveis que existem, o Studio Ghibli, do qual ouço falar desde menino quando ainda comprava a Herói. Alguém há de lembrar das revistas Herói, não? Enfim.

Os filmes de Miyazaki são todos encantadores. Para apreciar suas histórias, seus roteiros, talvez seja necessário um certo gosto por animação japonesa, mas a temática do amadurecimento, do peso da responsabilidade e do companheirismo, presente em todas as suas obras, como também o seu gosto pela aviação, a preocupação com a ecologia e o contato do homem com a natureza, é fascinante. Mesmo destinados ao público infantil, seus filmes comovem qualquer adulto com um coração mole feito o meu. Além do mais, suas marcas registradas como o contorno suave, o típico character design dos seus personagens, as paisagens fantásticas e os tons pastéis, enriquecem tanto o visual, que fazem dele, sozinho, já valer uma investida nas obras do diretor.

Sem dar muita importância a ordem, já que sou péssimo nesse sentido, apresento os meus preferidos:

1. Porco Rosso

Ex-piloto da Força Aérea Italiana durante a Primeira Guerra Mundial, agora, amaldiçoado com uma cabeça de porco, Marco Pagot, ou Porco Rosso como é chamado, combate piratas aéreos no Mar Adriático. O longa se desenvolve em torno da amizade de Porco e Fio, uma talentosa adolescente, engenheira de aeronaves, traz o Mediterrâneo retratado na animação de Miyazaki – lindo – e possui um roteiro bem inventivo. Atenção à oficina mecânica onde Porco vai consertar seu avião e conhecer Fio. Por causa da Crise de 1929, todos os homens que trabalhavam no local deixaram o país em busca de emprego e a companhia ficou dependendo da mão-de-obra das suas mulheres. Assim, irmãs, noras, tias, sobrinhas, todas de alguma forma ligadas a Piccolo, dono da oficina, ajudam na reconstrução do avião. Um detalhe rico e ao mesmo tempo um trecho hilário. Outra excelente passagem acontece quando Porco conta a Fio sobre quando sobrevoou um campo de nuvens durante a Guerra. Me impressiona que algumas animações consigam um tom dramático visto naquela cena. A mim, me comoveu bastante. ‘Porco Rosso’ é, enfim, charmoso e cativante.

2. A Viagem de Chihiro

O primeiro que assisti, o primeiro no cinema, inesquecível. Acredito que ‘A Viagem de Chihiro’ já recebeu uma quantia de louros necessários, incluindo um merecido Oscar de melhor animação, para pular uma sinopse, não? Vou me ater aqui no que me conquista toda vez que assisto ao filme novamente: a bizarrice brilhante do roteiro brilhante, os valores que são passados da forma menos óbvia possível, toda a construção visual do mundo ‘pós-túnel’, a cena do metrô, a epifania de Chihiro enquanto cai do céu e mergulha no rio, o desfecho e as cores. Acredito também que a história seja rica o suficiente para que cada um encontre ali algo com que se identificar e carregar para si. Faz pensar e é, sem sombra de dúvidas, imperdível.

3. Serviço de Entregas da Kiki

Kiki é uma bruxinha que, aos 13 anos, precisa aprender a ser independente e se virar sozinha. Sai de casa com a vassoura da mãe e seu gato, Jiji, em direção a cidade grande onde deve passar um ano, até que se torne uma bruxa completa. Na cidade, com suas habilidades mágicas e sua vassoura, acaba ajudando num serviço de entregas. É uma história bastante singela sobre amadurecimento e altruísmo. Quando o asssisti, o longa automaticamente passou a ser o meu preferido dos dirigidos por Miyazaki. Talvez esteja me confundindo colocando-o nessa posição, mas o fato é que o filme é mágico, não apenas em se tratando dos poderes de Kiki, mas também na simplicidade da mensagem. E os ares mediterrâneos, mais uma vez retratados por Miyazaki, são um charme à parte.

4. Laputa: Castle in the Sky

O mais aventuresco dos cinco longas citados aqui. Admito uma certa dificuldade para resumir o plot do filme, mas vamos lá: ‘Laputa’ conta a história do encontro de Sheeta e Pazu, como também o encontro de ambos com uma civilização perdida nas nuvens. Após cair de uma aeronave acidentalmente e flutuar graças ao pingente que carrega, Sheeta é resgatada por Pazu, um jovem minerador, e dai em diante, ambos partem em uma série de aventuras envolvendo a busca pela última cidade flutuante, Laputa, a qual muitos acreditam não passar de uma lenda. O trabalho de animação visto nesse longa é, na minha opinião, o melhor de todos os dirigidos por Miyazaki. É tudo muito exuberante e detalhista. Desde a luz azul que o pingente de Sheeta irradia às pinceladas cor de rosa que surgem aqui e acolá. Sem falar nas paisagens e na construção das cidades que são de tirar o fôlego de tão bonitas. A história também é excelente e bastante envolvente. É bonito também ver surgir um tênue romance entre Sheeta e Pazu, o companheirismo mútuo e a persistência de ambos por continuar juntos.

5. Meu Vizinho Totoro

Definitivamente o longa mais icônico da carreira de Miyazaki. O Totoro, espécie de espírito da floresta que brinca com as personagens do filme, é tão carismático e popular que acabou fazendo pequenas aparições em futuros filmes do estúdio. Mais tarde, se tornou um mascote, englobando inclusive sua logomarca. ‘Meu Vizinho Totoro’ conta a história de uma família que se muda pro interior e foca nas irmãs Satsuki, a mais velha, e Mei, a mais novinha, que encontra uma passagem no jardim, levando-a até o Totoro. É mais infantil do que os outros longas do diretor, mas igualmente doce e encantador, com uma pureza fabulesca que só se encontra nos filmes do Studio Ghibli.

Ser professor é tarefa para poucos. É um clichê, eu sei, mas vou começar e terminar essa resenha dessa forma que é pra deixar clara essa minha opinião, certo? E digo isso porque ‘Entre os Muros da Escola’ entra naquela categoria de filmes sobre o relacionamento entre escola, professor e aluno, já tantas vezes abordado no cinema. Nenhum deles, no entanto, trouxe de forma tão crua às telas – seco, quase documental. Trilha nem mesmo nos créditos finais – os dissabores experimentados por quem enfrenta uma sala de aula cheia de pupilos espertos, línguas afiadas, vindos de algum bairro suburbano, que torna suas existências mais complicadas e suas personalidades muito mais astuciosas.

Ganhador da Palma de Ouro no Festival de Cannes do ano passado e indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro, o longa dirigido por Laurent Cantet, traz todo esse background complicado, essa complexa e clássica batalha travada numa sala de aula de uma escola pública, mas com um diferencial, só pra tornar as coisas mais fáceis: dessa vez a escola se encontra no subúrbio de Paris e a turma é formada por filhos de imigrantes. Um problema ao mesmo tempo novo e velho, já que não é a primeira vez que a França se vê diante de uma situação difícil envolvendo seu sistema educacional (vide maio de 1968). Mas essa questão da imigração é realmente delicada e, obviamente, se intensifica numa sala de aula cheia de adolescentes pertencentes a pelo menos cinco etnias diferentes.

Mesmo que às vezes colocado de lado em prol de algumas discussões pedagógicas, todas, aliás, extremamente relevantes, o problema da imigração sempre volta a tona entrelaçado a outros problemas, pedagógicos inclusive, e é justamente nesse ponto em que o filme funciona melhor. Durante as suas duas horas, somos apresentados a questões que vão desde a importância de se identificar e elogiar os bons trabalhos feitos pelos alunos, ao invés de apenas denotar suas deficicências, até o possivelmente falho sistema de conselho de classe, que supostamente julgaria a permancência de um estudante que foi parar lá por algum tipo de má conduta, mas que, em seu histórico, acabou expulsando 12 entre 12 estudantes que passaram por ele, tornando clara a imagem de ultimato definitivo que adquiriu, ao contrário do caráter avaliativo ou mesmo encorajador que carrega no nome. Estúpido, não? E como julgar um aluno disperso e violento sabendo que, caso seja expulso, o pai o manda de volta para sua aldeia no Mali? C’est compliqué.

Agora o que há de mais curioso envolvendo a produção do filme: o longa – excelente, caso não tenha deixado claro – é baseado no livro ‘Entre os Muros’, escrito por François Bégaudeau, professor de francês, contando suas experiências em sala de aula. François, o escritor, interpreta a si mesmo, assumindo o papel principal, bem como seus alunos, todos interpretando a si próprios. Não sei que artíficios Cantet utilizou, mas tudo foi retratado em película com uma naturalidade que chega a ser absurda, tendo em mente essa peculiaridade. Sabendo disso, é impressionante a forma como, em um certo momento, uma aluna chega para François após uma aula e diz que não aprendeu nada durante o ano letivo e em seguida, corajosamente, admite que não compreende o que se faz ali, naquela instituição. E nessa, que é, ao meu ver, a cena chave do filme e a melhor em todo o longa, é quando fica claro que ser professor é nobre demais e por isso mesmo é tarefa para poucos. Tenho dito.

Eu sei quando um poster é bom quando me dá vontade de dar um thumbs up pro filme só por causa dele. Esse de ‘Where The Wild Things Are’ tá fantástico, não? E especialmente fofo.

Minha vontade de ver esse filme tem crescido bastante. As fotos recém-divulgadas também estão incríveis!

NÃO me desaponte, Spike Jonze! I’m telling you!

UPDATE:

Eis que surge o trailer do filme divulgado na página da Apple e, não para minha surpresa, tá fantástico! As imagens estão lindas e ‘Wake Up’ do Arcade Fire como trilha foi uma escolha acertadíííííssima!

Adoraria pôr o vídeo de alguma fonte como o YouTube aqui, mas acho que merece ser visto em boa qualidade e até o momento não encontrei algo satisfatório por lá. Então, RUN pra página da Apple agora!